TANDEM è una pedalata illustrata, tra l’Europa e l’Oriente, in velocifero o in monociclo, alla scoperta di forme, modelli e caratteri della bicicletta dal 1800 agli anni ’60.
Venite a fare un giro, a piedi o su due ruote, venerdì dalle 18. ZEL Edizioni presenterà i libri y “Piaceri di strada” di Carlo Favot e “Vicenza Ciclo Tour” di Carlo Favot e Francesco Soletti.
L’esposizione sarà aperta anche sabato mattina.

BIO
Daria Tommasi è nata nel 1984 a Trieste.
Ha imparato ad andare in triciclo a 3
anni, e in bici a 5.
Nel 2009 lascia le due ruote per prendere
il vaporetto e andare a Venezia,
dove frequenta la Scuola Internazionale
di Grafica.

Gabriella Giampietro è nata a Brindisi 23
anni fa. La sua prima bicicletta è stata
una Graziella color bronzo, compagna di
ferite ed avventure, con cui macina i
chilometri, fino ad arrivare a Treviso,
dove frequenta il corso di Design Industriale
presso lo IUAV.

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tandem
mostra della bici illustrata
Di Daria Tommasi e Gabriella Giampiero
Treviso. Piazza san leonardo 16
Venerdì 15 / sabato 16 luglio
ore 18:00
presso lo studio co.me

The competition will culminate with an exhibition of selected works in October in Venice.

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The primary objective of this project is to promote a debate around the basic theme of life in the community and how improvements can be made.

The International competition of graphic design is an opportunity for graphic artists from all over the world to express, manifest, symbolize and imagine solutions for a better city capable of improving the lifestyle of its inhabitants.

Sensitive themes:

• Integration of different cultures and religions
• Citizen needs: Youth, Disabled, Children, the Aged, Outcasts…
• Technological innovations
• The Community as protagonist
• Interaction between urban areas and nature
• Safety

On web site you can find further information regarding the project.

www.felicityproject.it

inaugurazione 8 maggio 2010 ore 18.00

8 maggio – 29 maggio 2010

co.me - digital design piazza san leonardo 16 – 31100 treviso tel. 0422 541865 – info@comeonline.it – www.comeonline.it

orari di apertura su appuntamento nei seguenti giorni e orari:

dal mercoledì al venerdì dalle 10.00 alle 12.30 e dalle 16.00 alle 19.00;

il sabato dalle 16.00 alle 19.30.

Rossana Baroni

Via Breno 2, 20139 Milano - 347 9903554

e-mail: roxibaro@gmail.com - www.facebook.com/rossanabaroni

• Rossana Baroni è nata a Milano nel 1963, dove vive e lavora.
• Sviluppa il suo discorso fotografico nel 1989.
• Dal 1990 al 1993 è socia di Esposimetra – Associazione Donne nella Fotografia; il 4 marzo 1995 partecipa alla fondazione di ODIEFFE – Officina Donne Fotografia con cui collabora sino al 2001.
• Ha esposto in Italia e all’estero. Ha partecipato al Premio Nazionale Donne Fotografe di Prato ed esposto con la Fondazione Italiana per la Fotografia. Sue opere sono presenti in collezioni private.

Graziella Reggio

Via Ragusa 10, 20125 Milano - 02 66 83 205

e-mail: graziella.reggio@yahoo.it - www.graziellareggio.it

• Graziella Reggio è nata nel 1956 a Milano, dove attualmente vive e lavora.
• Ha studiato all’Art Students League di New York e nel 1999 ha ricevuto il Pollock-Krasner Foundation Grant.
• Ha esposto in gallerie e spazi storici, tra i quali: Galleria Civica di Arte Moderna, Spoleto; O’Artoteca, Milano; Studio Arte Fuori Centro,  Roma; Palazzo Balleani, Jesi; Galleria il Campo delle Fragole, Bologna; Galleria Totem-Il Canale, Venezia; Galerija Scuk, Lubiana; Museo Nazionale di Villa Pisani, Stra; Galleria San Fedele, Milano; Palazzo Comunale, Spello; Cork Gallery, New York.

NihnBihn-7020

Inserito originariamente da MagaCirce

che bella foto.
Sensibilità nella gestione della luce, strepitoso il riflesso del volto del bambino, bello anche l’equilibrio cromatico.
ma…il bambino è corruciato, perché?
Qual’è lo scopo di una foto?

tratto da artkey magazine

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Sito ufficiale di Patrick Mimran: http://www.mimran.com

“Art is too serious matter…I prefer tango”

Mimran, già noto al pubblico veneziano per la sua mostra alla Fondazione Querini Stampalia del 2004 e per i Billboards lungo il Canal Grande, Mimran torna con una personale fotografica.

Celebre per la sua avversione alla critica e al mercato dell’arte, Mimran invita a visitare la mostra con un volantino,che durante i giorni del vernissage spopolava nei padiglioni della Biannale:

“You should be more relaxed about art after you read this. And might even be happier after you see Patrick Mimran…”

(Potresti essere più rilassato riguardo all’arte dopo aver letto questo. E forse anche più felice dopo aver visto la mostra di Patrick Mimran).

L’invito risulta chiaro dopo la visione degli scatti dell’artista: l’intento è quello di proporre una mostra di chiara natura estetica e non se ne fa un mistero. Bandita l’arte concettuale, Mimran ci propone una serie di scatti in grande formato: immagini di ingressi di parcheggi di New York, la città per antonomasia. Le foto, per le quali è stata usata sempre la medesima inquadratura, sono nitide, chiare e tutte scattate in notturna. I parcheggi sono totalmente deserti e niente si sa sulla loro ubicazione, “Somewhere in New York” come recita la didascalia sotto le foto. Un progetto che a prima vista appare un originale non sense, che incuriosisce per l’idea di ingresso ignoto che riesce a suscitare. Ma è proprio qui che dobbiamo fermarci. Mimran vuole regalare un’immagine esteticamente appagante, non ha altro fine. Le scritte al neon, gli imperativi tipici dei parcheggi pubblici”Keep the Right”, “Slow”, “Stop”, non devono turbare il nostro stato di rilassamento, di cui sopra, e l’ingresso in un mondo ignoto non dovrebbe evocare, come paventato dalla critica di Paul Ardenne, l’accesso simbolico ad un corpo femminile.

“Explanation kills arts”

,un’altra absolute statement presa da un Billboards dell’artista francese che attualmente vive tra Zurigo e New York. Mimran che in genere si cimenta sulla pittura a cera e sui video, si rivela in questa mostra più artista che fotografo: ad un’attenta osservazione delle foto la stampa risulta leggermente imprecisa cosicché i contorni delle scritte risultino più marcati rispetto all’interno delle lettere.

Parafrasando la critica di Paul Ardenne, Mimran è come un pittore che “utilizza la macchina fotografica, come un pennello” rendendo la fotografia una “pittura riattualizzata”. La città e il contesto urbano sono al tempo stesso uno dei soggetti e il set preferito dell’esposizioni dell’artista. Ponti, facciate di palazzi, cavalcavia e rampe, come in Car Parkings, sono il cornice perfetto per riflettere sull’arte e sul mercato che oggi ne determina il successo. Mimran con le sue frasi sembra ricordarci in quale meccanismo perverso questo mondo stia girando,“The art market is the artist’s twisted muse”, e con una mostra come quella di Venezia esorta ad una fruizione sensibile, cioè attraverso i sensi, dell’arte per goderne a pieno dei colori, dell’apparenza e della forma. Un invito rivolto anche da Robert Storr, che per la Biennale 2007 ci chiede di pensare con i sensi e di sentire con la mente. Con il Billboard Project cominciato nel 2001 sui cavalcavia di Chelsea – New York Mimran si impone come un grande comunicatore che ci sprona a “piangere per la bellezza delle cose, non per il loro senso” e a vivere l’arte per se stessa e in quanto tale.

Portfolio

Aerei in decollo e atterraggio. Come nature morte o crocifissioni del XXI secolo. Un fotografo americano immortala la tecnologia moderna.

L’ultima personale di Jeffrey Milstein è il tentativo di trasformare gli aerei di linea in icone contemporanee. Operazione riuscita, visto il successo trasversale di queste immagini al di fuori dei circuiti dell’arte, riprese da riviste e quotidiani. Segno di come l’aereo sia diventato un motivo centrale nella nostra cultura, sia in quanto oggetto d’uso quotidiano grazie ai voli low cost, sia per il ruolo di protagonista nella vicenda più tragica che l’Occidente moderno conosca, l’attacco alle Twin Towers.
Modellista appassionato di aerei, il fotografo americano realizza il sogno di diventare pilota a 17 anni. Per lui il metallo pesante e il corpo vuoto di questi mostri volanti hanno qualcosa di miracoloso. Per questo ama fotografarli quando gli sfiorano la testa in decollo a 320 km/h. In quel momento li coglie nella loro più austera semplicità di croci volanti, in una posa intima, quasi nuda, disarmata e fragile. I boeing che siamo abituati a veder rollare sulle grandi piste d’asfalto diventano corpi morbidi come ventri di balene. Milstein li astrae e li pone in campo bianco, fino a renderli modellini in scala 1:1, esaltando dettagli e colori.
In altri casi li fotografa in atterraggio e l’effetto cambia, catturando tutta la potenza che questi ammassi di alluminio, pesanti tonnellate e spinti a velocità vicine a quella del suono, rappresentano non senza sfumature minacciose e rapaci. Il lucore dei metalli a contatto con la luce naturale e aperta dei cieli d’aeroporto erano già noti ai pittori iperrealisti e, nelle immagini di Milstein, diventano una vera strategia di fascinazione.
Come nelle serie precedenti, quali Cuba, India e Archeologia industriale, il fotografo americano satura i colori per rendere tutto più vivido, seducente. E vi riesce bene in questo gioco di applicazione al reale di tecniche da still life e fotografia pubblicitaria. Ma il senso va oltre la pellicolare bellezza geometrica. “Dopo l’11 settembre”, sostiene Milstein, “nessuno può guardare un aereo senza ricordare con quanta facilità esso può trasformarsi in arma nelle mani di un gruppo di terroristi. Gli aerei sono un simbolo di quanto sia divenuta vulnerabile la nostra alta tecnologia”.
L’eco di una filosofia catastrofica alla Baudrillard o alla Virilio si fa sentire in un lavoro diretto a cercare nella pura essenza formale dell’oggetto, ripreso da un’angolazione inedita, la sua forza di simbolo, le pieghe di senso nascoste. Come quella della croce, simbolo del sacrificio, del martirio e dell’assunzione celeste: “Possono atterrare sicuri dopo poche ore dall’altra parte del globo, ciò è incredibile”.

nicola davide angerame
Tratto da: www.exibart.com

Eppure tutta la materia che costituisce il mio corpo cambia totalmente, così mi hanno detto, nel periodo di sette anni.
(periodo variabile rispetto a giovinezza, maturità, vecchiaia)

Se osservo le fotografie che mi riguardano di qualche anno fa mi riconosco ma l’apparenza è abbastanza diversa.

Prima non c’ero e oggi ci sono, con le funzioni che mi fanno parlare, scrivere, dialogare, camminare.
Sono cominciato in un momento preciso e da quel momento ho incominciato a percorrere il mio cammino.
Ci si evolve in sintonia o in contrasto con la direzione originaria. (dna, carattere ereditario etc)
Ogni persona che incontro è una variabile nel mio cammino
A seconda dell’ambiente la mia personalità, il mio pensiero, il mio corpo si modificano.
Si modificano rispetto gli eventi esterni, rispetto alle condizioni socio-culturali in cui mi trovo.
Ciò che vediamo, udiamo, sentiamo e pensiamo agisce indipendentemente dalla nostra volontà sul risultato delle forze che governano la nostra esistenza.

“Non ci accorgiamo dei cambiamenti minimi ma ad ogni istante muto corpo, pensieri, sentimenti. Non sono nemmeno l’ombra di quello che ero trent’anni fa”. (Tiziano Terzani)

Quante strade deve percorrere l’Uomo prima che lo si possa chiamare Uomo? (Bob Dylan)

Il Progetto

Ritrarmi ripetutamente al fianco di persone differenti.
Una pluralità di personalità che con la loro esistenza mi permettono di essere quel che sono.
Ritrarmi, vestito da “straniero”, in un ambiente diffidente rispetto ad un corpo estraneo,

Influenza di massa
Influenza del singolo
Influenza attiva e passiva
Tutto influenza

Uno spazio in comune

collettiva di pittura e fotografia sul tema dell’autoritratto

Venerdi 13 giugno 2003 alle ore 18 si inaugura a Borgomanero la mostra “uno spazio in comune”,

espongono:
Maurizio Chesneau, Gianluca Crotti, Federico Fazzi, Stefano Meneghetti, Claudio Parrini, Alessandra Puggioni, Totto Renna, Hana Zec

PATROCINIO E ORGANIZZAZIONE: Comune di Borgomanero, Assessorato alla Cultura

“Per dipingere una bella mi bisogneria veder piu’ belle (…), ma essendo carestia di buoni giudici e di belle donne, io mi servo di certa idea che mi viene alla mente”
Raffaello Sanzio a Baldassarre Castiglione (1514)

Si tratta di una mostra d’arte visiva costituita da opere pittoriche e fotografiche di otto autori: Maurizio Chesneau, Gianluca Crotti, Federico Fazzi, Stefano Meneghetti, Claudio Parrini, Alessandra Puggioni, Totto Renna e Hana Zec.

Il tema comune che il gruppo ha scelto di rappresentare e’ l’autoritratto. Gli artisti propongono alcune opere inedite, rivolgendo l’attenzione alle singole identita’, al paesaggio interiore, al vedersi, iscrivendo questa forma di espressione artistica all’interno di un’esperienza espositiva collettiva.
La scelta dell’autoritratto come tema comune, di per se’ la piu’ intima e autoreferenziale espressione artistica, classicamente usata dagli artisti come modello di indagine interiore, vuole da un lato fagocitare ed estremizzare l’individualita’ ed il ’singolarismo’ dell’autore e dall’altro renderlo confrontabile, quindi destinarlo al dialogo collettivo. L’osservazione-rappresentazione attenta di se medesimi e il confronto per immagini delle soggettivita’ sono le pulsioni e le istanze che hanno spinto questi artisti a vivere un’esperienza insieme.
Gli artisti non sono strettamente legati al territorio e non provengono da esperienze artistiche comuni, ma sono vicendevolmente animati dal bisogno di confrontarsi ed esprimersi -lo scambio avviene anche proprio in virtu’ di queste differenze.